No sábado À noite, Alfonso Gomez-Rejon recebeu a maior honraria do cinema independente americano com seu segundo longa-metragem, 'Me and Earl and the Dying Girl', conquistando o Grande Prêmio do Júri e o Prêmio do Público no Festival de Cinema de Sundance.

Completou uma semana notável para o cineasta nascido no Texas. Seu longa estilisticamente audacioso, uma adaptação do romance de Jesse Andrews, emocionava com sua hábil mistura de tons, sugerindo um herdeiro das obras de Ernest Lubitsch em como ele trabalhou nos temas e assuntos mais sombrios com um toque leve.

Em um toque encantador e adequado de um filme que ostenta uma gama enciclopédica da história do cinema, o ator (Thomas Mann) interpretando o papel principal tem o mesmo nome do grande romancista alemão. Greg, um calado e retraído do último ano do ensino médio, é atraído por sua mãe ( Connie Britton ) para fazer amizade com Rachel ( Olivia Cooke ) depois de ter sido diagnosticada com leucemia.

O único confidente real de Greg, ou 'colega de trabalho', como ele o chama, é seu colega de classe Earl (o soberbo RJ Cyler), seu colaborador em uma série de curtas-metragens que abordam a história do cinema com nomes paródicos, como a adaptação de Visconti do filme de Mann. Morte em Veneza ,' chamado 'Morte no Tênis'.

A influência formativa em Gomez-Rejon é Martin Scorsese . O cineasta trabalhou como assistente de Scorsese de ' A Era da Inocência ' para ' Cassino ' e também trabalhou com Nora Ephron e Alejandro Gonzalez Iñarritu . Greg tem um ' Ruas principais ' pôster em seu quarto, e vemos um trecho de ' Taxista ,' e ouça a voz de Scorsese em sua faixa de comentários do Michael Powell e Emeric Pressburger filme 'Os Contos de Hoffman'.

Em entrevista gravada antes da premiação, Gomez-Rejon falou sobre arte e influência e a homenagem ao seu falecido pai, médico a quem o filme é dedicado.

Isso parece um primeiro filme, ou um livro de memórias, em como você é capaz de colocar todos os detalhes pessoais na arquitetura do filme.

ALFONSO GOMEZ-REJON: Estou muito orgulhoso do meu primeiro longa, 'A cidade que temia o pôr do sol'. Eu amo as performances, e nos divertimos fazendo isso, como os jantares com Eduardo Herrmann , onde eu poderia sentar e conversar com ele sobre ' Vermelhos ' e Warren Beatty . Valeu tudo. Foi triste que ninguém viu o filme. Havia o meu grande medo de alguém que queria fazer filmes a vida inteira de ter a possibilidade de nunca mais trabalhar porque não foi bem recebido ou considerado bem-sucedido.

Felizmente, quando este filme veio junto, foi tudo coração. Eu tive que tratá-lo como se fosse meu último filme e fazê-lo para o meu pai. Ficou bem claro que essa é a razão pela qual eu faria um filme para ele do jeito que Greg faz um para Rachel.

Além disso, eu tive um jeito de fazer um filme que agradece a todos os meus heróis e mentores de uma maneira apropriada aos personagens. Não tenho certeza se terei a chance novamente de homenagear (o editor de Scorsese e a viúva de Powell) Thelma Limpadora , ou, claro, Michael Powell. Marty (Scorsese) está em toda parte. Nick Pileggi e Nora Ephron estão ligados, seus roteiros de 'Casino' e ' Azia ,' estão empilhados um ao lado do outro ao lado do computador. Foi uma oportunidade para agradecer a todos, começando pelo meu pai, e compartilhar esse amor por eles.

Apesar de todos os floreios estilísticos, este filme é, em última análise, dependente dos atores. Cada parte parece certa.

Em primeiro lugar, eu tinha que ter minha versão de Greg. O que eu amei sobre o humor é que não era cínico. Era algo com que me identificava, embora ele tenha 17 anos e eu não. Eu queria poder me enterrar com esse cara e fazer essa jornada com ele. Foi essa honestidade brutal que as pessoas têm de certa forma com as palavras e a linguagem, a maneira como as pessoas realmente falam, e não o diálogo do filme, onde todos são inteligentes, inteligentes e honestos.

Era revigorante que Thomas tivesse um jeito de tornar as palavras suas. Em cada cena de audição com Thomas e Olivia, mesmo as cenas pesadas nunca pareciam melodramáticas. Eles apenas usavam as palavras tão bem, e eram tão honestos e ela acrescentava tanta dignidade que nada parecia melodramático, que era o grande medo.

RJ chegou bem no final, talvez duas semanas antes de começarmos a filmar. Estávamos lutando para encontrar o ator certo. Eu vi um monte de atores maravilhosos para o papel. Você tinha que pensar neles como um tríptico e todos tinham que se complementar. Todos foram honestos. O garoto (Earl) que tinha que ser mais adulto, e ela se torna uma e então ele é o último a se juntar a eles no final. Eventualmente, a audição de RJ foi tão bonita e confiante para uma criança que nunca tinha feito nada.

E os personagens adultos, que também nunca são condescendentes ou ridicularizados.

Isso veio junto. Você não pode fazer um filme apenas com as crianças, ou você não pode financiá-lo com elas. Eu conhecia Connie Britton da direção de 'American Horror Story', e ela queria interpretar a mãe. Era um papel pequeno, mas se encaixava em seu hiato e ela queria trabalhar comigo. Uma vez que você teve Connie, o resto realmente começou a se encaixar. Nick Offerman se envolveu e agora é um filme de verdade com eles interpretando os pais. Então você consegue Jon Bernthal (jogando o simpático professor de história) e então Molly Shannon , que sempre amei e que tem essa capacidade de grande trabalho dramático.

De repente, o filme se tornou real. Os adultos sempre foram minhas primeiras escolhas. Thomas e Olivia fizeram o teste por mais de um ano porque a mudança veio junto, depois se desfez e depois voltou. Eles ainda eram perfeitos para isso porque a química era tão bonita e única, não muito diferente ' Harold e Maude ', por causa do profundo entendimento.

E sua colaboração com o escritor Jesse Andrews, que adaptou seu próprio romance. Qual foi o processo de transformação da literatura em cinema?

O roteiro estava em muito boa forma quando o li. Descobri o romance depois. Era mais uma questão de racionalizá-lo para dar a forma de um filme que poderíamos fazer de forma realista. Era sobre explorar algumas dessas sequências não verbais que eu realmente queria ter, essas montagens e a sequência final, que é tudo música. Com Jesse, houve imediatamente uma confiança. Fiquei muito claro por que queria fazer esse filme e por que queria interpretar esse roteiro e fazer algo pessoal com ele. Era algo que eu estava doendo para fazer. Eu realmente queria fazer isso porque eu bati em uma parede pessoalmente, apenas lutando para expressar tristeza e incorporá-la e seguir em frente. Eu só não podia porque eu estava tão perto do meu pai. Ele era a pessoa mais engraçada do mundo, meu pai era.

Com Jesse, eu fui muito aberto e disse a ele que era por isso que eu queria fazer esse filme. Ele não tinha absolutamente nenhum ego quando algo não funcionava. Nós ajustamos ou quando eu queria explorar uma nova ideia e nós o fizemos. Ele é rápido e brilhante, e ele fez melhor. Em seguida, tratava-se de expandir os filmes dentro do filme. Alguns deles já estavam roteirizados. Definitivamente havia uma oportunidade para a montagem porque você tem que honrar todos esses caras. Você não pode fazer isso sem fazer (Luis) Bunuel. Tornou-se esta lista em que trabalhamos repetidamente. Aguentou todos os departamentos porque tínhamos essa lista, precisávamos de figurinos, pequenos cenários e locações e se tornou uma coisa toda pequena.

Finalmente, isso significava criar essas referências e os clipes desses filmes, Jesse criaria títulos hilários, que novamente eram perfeitos para jovens de 17 anos. Eles tinham que parecer como se fossem feitos por jovens de 17 anos. Era como voltar ao primeiro dia da escola de cinema na NYU, quando você tinha uma câmera Super 8 e era um autor por um dia. Era sobre encontrar essa energia novamente e isso realmente te lembrava por que você fazia filmes. Esse espírito é algo que tentamos manter por toda parte. A relação com Jesse foi extraordinária porque ele é uma pessoa bonita, um grande escritor e ele tocou em algo profundamente pessoal para mim.

Não é apenas a maneira observacional do roteiro, mas o profundo senso de reconhecimento.

Foi como a primeira vez que vi 'Mean Streets', quando eu tinha 13 anos, em Laredo, Texas, em VHS. De alguma forma, não era sobre mim. Eu não sou um ítalo-americano de Nova York na década de 1970. Percebi que era sobre irmãos, e eu podia me identificar com isso. Senti que era o único que tinha. Eu era a única pessoa que poderia contar essa história porque eu poderia transformá-la em algo pessoal. Quando consegui o emprego, éramos inseparáveis. Jesse estava no set o tempo todo. Se tivéssemos que alterar a (narração) não havia queixas nem ego. Ele queria ser a melhor pessoa possível. Ele realmente respeitava o que eu queria dizer. Minha versão de Greg pode ser diferente da dele, e ele estava bem com isso.

Como você concebeu o filme visualmente?

Chung Chung-hoon fez o filme. Uma das razões pelas quais ele queria trabalhar neste filme é que ele adora comédia, adora histórias de amadurecimento, adora John Hughes , e ninguém associa esse tipo de coisa com ele.

Havia duas coisas. Tínhamos uma paleta de cores para cada personagem. Eu sabia que o ensino médio tinha que parecer institucional e como uma prisão, e usamos muitas lentes grandes, até 10mm, para que Greg se perdesse facilmente. Ele tem tudo a ver com a vida, e ser o mais invisível possível com o mínimo de interação social. Tínhamos padrões de edição muito agressivos, movimentos (de câmera), que eram quase lúdicos e infantis.

Uma vez que você corta isso e justapõe isso com o mundo dela, é mais calmo e quente, mas ainda assim os ângulos brincalhões realmente esticam o quadro, mostrando o quão separados eles são. Ao fazer isso, não levando o público a pensar ou esperar uma história de amor, você começa a fazer as cenas de diálogo com essas duas crianças em uma cobertura mais clássica e as pessoas começam a supor que vão se apaixonar em algum momento.

Trata-se de separá-los e, em seguida, ganhar os dois tiros que vêm depois. O filme fica bem parado, as lentes ficam muito mais longas. Tem isso, da brincadeira para a quietude, ganhando os dois shots então quando chegamos lá as pessoas não esperavam uma história de amor e um ritmo frenético se acalma e se torna quase um sonho.

Você concordaria com um lirismo intensificado, como a forma como você encena a classe e a estratificação social na escola ou a primeira vez que Greg está no quarto de Rachel sublinha sua alienação?

Sim, e também nessas tomadas amplas você tem a oportunidade de revelar personagens e pistas, como a grande [tomada] para ele em primeiro plano, ou seus livros esculpidos e no reverso [tomada] com todo o espaço livre que você vê o tesoura, ou atrás dele está o papel de parede porque ele não parou de falar ou olhou de perto o suficiente para ver o que está à sua frente. É por isso que em uma cena ele entra na sala e é uma panorâmica muito lenta, forçando o público a ver, mas não entender o porquê, eles não se pareciam o suficiente com Greg.

Provavelmente voltando para 'Lord Love a Duck', o filme do ensino médio se tornou seu próprio gênero. Havia uma maneira de alterar ou subverter a forma?

Um dos grandes desafios que tive foi como filmar sem parecer um filme de colegial. Pesquisei 10 escolas de ensino médio em Pittsburgh e arredores e todas pareciam iguais. Adorei o tamanho e o alcance da escola que usamos, com seus tetos neoclássicos de 6 metros. Eu posso atirar de uma maneira que nunca foi feita antes. Foi esteticamente como filmamos um mundo que vimos milhares de vezes. Em última análise, foi sobre esse relacionamento, não é uma história de amor, cair nessa armadilha e esperar.

Qual é a qualidade mais importante que você aprendeu nos três anos em que trabalhou para Martin Scorsese?

Acho que ele não tem ideia do quanto significa para mim. Na verdade, ele viu o filme e gostou bastante. Espero que haja uma maneira de expressar minha gratidão. Tudo o que aprendi e tudo o que faço, sempre me pergunto o que ele vai pensar. Eu respeito seu corpo de seu trabalho. Eu respeito como ele conseguiu fazer filmes pessoais dentro de uma estrutura de Hollywood. Respeito o quão generoso e humilde ele é e como ele não pode falar de si mesmo sem mencionar 10 mestres que vieram antes dele.

Quando eu trabalhava para ele, assistíamos filmes juntos no sábado muitas vezes, apenas eu e ele. Ele tem esse profundo apreço pelo passado, e sua curiosidade insaciável e o porquê de fazer cinema. Eu finalmente consegui isso, e como tocar em algo pessoal e explorar isso, e é um ponto alto diferente. Você começa talvez a encontrar seu ponto de vista e por que está fazendo filmes.

O como é o seu próprio processo único. Eu nunca iria querer fazer um filme onde ele pensasse que eu apenas o copiei. Há tanto amor na tela no que ele faz e é tão contagiante. Acho que pela primeira vez eu tive um gostinho disso, fazendo algo pessoal do coração e também dando a você a chance de se enterrar no trabalho. Também espero que este filme lhe dê a chance de ligar quem assiste ao filme para os filmes de Powell e Pressburger, para Herzog. Há uma grande retribuição e eu queria muito continuar essa tradição.