O programa U.S. Dramatic Competition em Sundance costuma ser aquele de onde surgem as histórias mais nacionais. Os vencedores anteriores incluíram “O Nascimento de uma Nação”, “ Chicote ' e ' Bestas do Sul Selvagem .” A seção deste ano possui muitos títulos altamente esperados, incluindo a estreia na direção de uma estrela indie recente, a mais recente da mulher por trás do inteligente “ Filho Óbvio ” e um veículo estelar construído em torno Praça Aubrey . Infelizmente, todos os três erram o alvo para mim, dois apenas o suficiente para quase recomendar, enquanto um desperdiça sua configuração potente com quase nenhum acompanhamento.

Seria educado dizer que a Noite de Abertura tem sido uma mistura de qualidade nos últimos anos. Para cada “Whiplash”, existem alguns desastres como “ O Bronze .” No meio está Macon Blair de “Não me sinto mais em casa neste mundo” um primeiro longa ambicioso que deve muito ao amigo de Blair e diretor recente, Jeremy Saulnier (“ Ruína Azul ,” “ Quarto verde ”) em sua premissa e tom. O problema é que o que Saulnier faz requer uma mão incrivelmente hábil quando se trata de consistência tonal e ritmo, e é aí que Blair vacila levemente. Ainda assim, há muito o que gostar aqui em termos de ambição e desempenho. É um daqueles casos clássicos de Sundance de um filme ser mais “promissor” do que qualquer outra coisa, embora eu suspeite que alguns vão aceitar esse thriller corajoso como é, e perdoar suas falhas completamente.

É fácil perdoar um filme que protagoniza o sempre grande Melanie Lynskey e igualmente-sempre-ótimo Elijah Wood como vigilantes do dia a dia. Lynskey interpreta Ruth, uma mulher irritada com as crescentes exibições de idiotas sem empatia que ela vê em todos os lugares. É o cara cujo caminhão solta fumaça preta; o cara que a interrompe no supermercado para entrar na fila primeiro; a mulher terrivelmente racista no centro de cuidados em que ela trabalha. Basicamente, as pessoas são uma merda, e ela está cansada de deixar as pessoas serem uma merda (todo mundo está “tomando porra”), embora isso não seja “ Caindo ”-esque exibição de uma mulher empurrada para a borda. Ela encontra um alvo literal maior do que todos os idiotas da sociedade quando sua casa é arrombada, seu laptop e talheres roubados. Por capricho, ela inicia o aplicativo localizador que instalou para rastrear seu computador. Ele pinga. Ela sabe onde estão os bandidos e pede a ajuda de um vizinho (Wood) que por acaso gosta de nunchucks e estrelas da manhã e rastreia o computador, levando-a a um trio de sociopatas, incluindo um quase-silencioso e quase-filme. -roubando Jane Levy .

Se filmes como “Blue Ruin” e “Green Room” são socos diretos no estômago, o filme de Blair é mais uma série de golpes de diferentes ângulos e em diferentes velocidades. O ritmo e a estrutura do filme muitas vezes oscilam sob o peso de um projeto que às vezes parece que está tentando fazer demais. Blair apimenta seu roteiro com referências religiosas e salta em tom entre comédia negra e suspense, o que é admirável, mas também incrivelmente difícil. O filme nunca tem os riscos ou a tensão que eu esperava, embora Blair se destaque em encenar e filmar os momentos mais sombrios, incluindo uma fantástica sequência de invasão domiciliar e o clímax incomum, e eu aprecio que o filme nunca se transforme em uma visão de mundo cínica. Apesar disso, eu queria mais sleaze e polpa. Blair basicamente fez um filme B que não abraça muito bem sua qualidade de filme B. Mais uma vez, o esforço e os melhores momentos do filme serão suficientes para algumas pessoas, e eu posso me aquecer com seus pontos fortes e não ver suas falhas nas visualizações subsequentes (estreia mês que vem na Netflix), mas não me sinto em casa neste filme ainda.

Problemas semelhantes de desequilíbrio tonal permeiam Gillian Robespierre de “Telefone fixo”, uma estreia na sexta-feira na categoria Competição Dramática dos EUA. A continuação de Robespierre para “Obvious Child” está novamente no seu melhor quando destaca as habilidades da estrela Jenny Slate , mas sua configuração de sitcom aqui não se conecta como no filme anterior, muito dependente de personagens e situações exageradas, e muitas vezes parecendo um programa de TV. O elenco é forte o suficiente para elevar o material, mas ainda é uma decepção no geral.

Slate interpreta Dana Jacobs, a irmã mais velha de Ali (Abby Quinn), uma adolescente cada vez mais rebelde nas drogas, seu namorado e ódio geral por seus pais, interpretada por Edie Falco e João Turturro . O foco de Ali muda quando ela encontra cartas de amor que seu pai claramente escreveu para uma mulher que não é a mãe de Ali. Sem saber como processar tal revelação, ela primeiro tenta descobrir a mulher do outro lado da troca de cartas de amor, enquanto Dana passa por seu próprio drama de relacionamento com seu noivo ( Jay Duplass ) e uma antiga paixão voltando para sua vida.

“Landline” opera sob vários princípios familiares, incluindo aquele momento em que todos percebemos que nossos pais também são pessoas falíveis, mas não adiciona o suficiente a eles para fazê-los ressoar. E também não tem força de caráter para trabalhar nesse nível. Turturro e Falco, por melhores que sejam, não têm o suficiente para trabalhar, pois Robespierre está claramente mais interessado nas irmãs do que nos pais. E o filme fetichiza 1995 da trilha sonora (reconhecidamente matadora) para piadas de visão específicas de um período constante, como patins e vidros não elétricos. Você pode ver quaisquer dois minutos deste filme e saber que se passa em meados dos anos 90. É francamente perturbador.

E ainda admiro a disposição de Robespierre em apresentar um projeto em que os personagens são profundamente imperfeitos. Dana está traindo o marido; Ali é meio horrível; seu pai é um trapaceiro - mas nunca parece que esses personagens estão sendo julgados por seus fracassos. É um filme sobre aceitar sua família como ela é, com verrugas e tudo.

Alguém que procura um grau semelhante de aceitação do mundo é a profundamente perturbada Ingrid, interpretada com urgência por Aubrey Plaza na entrada da Competição “Ingrid vai para o oeste.” Conhecemos Ingrid em um de seus dias mais sombrios, curtindo fotos obsessivamente no Instagram. Vemos um casal se preparando para um casamento. Ingrid está chorando ao gostar das fotos, claramente não convidada para o evento. Ela se levanta de repente, marcha para a recepção das núpcias e borrifa spray de pimenta no rosto da noiva antes que ela seja abordada.

Uma abertura tão sombria promete um filme sombrio, mas a estreia de Matt Spicer consistentemente puxa seus socos e se recusa a encontrar as bordas sombrias de sua configuração promissora. Ingrid se muda para Los Angeles depois de encontrar um novo objeto de obsessão, a bela e badalada Taylor Sloane ( Elizabeth Olsen ). Ingrid basicamente “ Mulher branca solteira ”s Taylor, vendo onde ela come e onde ela vai nas redes sociais e depois seguindo seus passos por tempo suficiente para acabar se tornando amiga dela. Ela se torna amiga de Taylor e do marido de Taylor (um grande Wyatt Russel ), mas quando o irmão de Taylor, Nicky, chega à cidade, ele vê através de Ingrid e zomba agressivamente de sua estranheza social. Ingrid não lida bem com rejeição.

Há um subtexto interessante em jogo em “Ingrid Goes West” em que o trabalho de Taylor como “guru do estilo de vida”, no qual ela é paga para promover produtos para seus seguidores no Instagram, não é tão diferente da personalidade obsessiva de Ingrid. Em outras palavras, muitos de nós têm um pouco de Ingrid em nós, imitando os hábitos das pessoas que admiramos, da moda à alimentação e a todas as escolhas de estilo de vida. Isso poderia ter sido uma comédia mordaz e sombria, especialmente como criada por essa cena de abertura, mas Spicer nunca chega lá. “Ingrid Goes West” é um filme deprimentemente previsível, o que é um problema quando se trata de uma mulher essencialmente desequilibrada. É um filme que assume poucos riscos e parece seguro em vez de mordaz. Vamos torcer para que os títulos da Competição Dramática dos EUA venham ter mais chances.