Em qualquer festival de cinema, é natural que surjam conexões entre diferentes obras. Certas ideias inevitavelmente ecoam em filmes com estilos diferentes e, de repente, recursos duplos hipotéticos se desenvolvem organicamente em sua cabeça. Eu vi dois filmes no True/False que interrogam a identidade racial ou étnica através de uma lente experimental e, embora ambos sejam de experiências vividas muito diferentes, eles jogam um com o outro de maneiras fascinantes.

O primeiro é Ja'Tovia Gary “O Documento Giverny (Canal Único)”, um filme de 43 minutos sobre a força e a precariedade da feminilidade negra na América. O ponto crucial do filme mostra Gary parado no cruzamento da 116th Street e Malcolm X Boulevard, no Harlem, fazendo uma pergunta a meninas e mulheres negras: “Você se sente segura em seu corpo?” As respostas variam de acordo com a idade e a interpretação da pergunta: mulheres jovens tendem a dizer não, citando assédio ou violência ou perseguição que sofreram, enquanto mulheres de meia-idade ou mais velhas, mesmo as enfermas, respondem afirmativamente por causa de sua conforto com a vizinhança ou seu relacionamento com Deus.

Essas entrevistas fundamentam o resto do filme, que frequentemente corta entre diferentes cenas do próprio trabalho de Gary e imagens de arquivo: Fred Hampton dando uma palestra sobre a importância da educação na Libertação Negra para combater a ascensão dos imperialistas negros; Gary deslizando pelos jardins de Claude Monet em Giverny, França; uma gravação de áudio do vídeo de Diamond Reynolds do assassinato de seu namorado Philando Castile nas mãos da polícia tocada sobre colagens e animação direta; Nina Simone, sentada ao piano, lutando emocionalmente para completar seu cover de “Feelings” de Morris Albert no Montreux Jazz Festival de 1976. “The Giverny Document (Single Channel)” abre com uma filmagem de celular que virou meme de “Love & Hip-Hop Star” Joseline Hernandez perguntando à câmera: “Posso viver? Posso viver porra?” Essa pergunta, junto com “Você se sente seguro em seu corpo?”, estrutura “The Giverny Document” e define o método de Gary.

O efeito geral de “The Giverny Document” é semelhante à sobrecarga sensorial estruturada por meio de estudos de mídia. (Só posso supor que a versão de instalação de três canais que vive no espaço da galeria e do museu apenas amplifica essa ideia.) Por meio de fontes históricas e suas próprias indagações artísticas, 'Giverny' pinta um retrato prismático da feminilidade negra contemporânea, que assume diferentes personas baseadas no ambiente (Gary usa uma peruca durante suas cenas de mulher na rua, mas mostra sua cabeça raspada no jardim) e modula todo o espectro da emoção humana, do êxtase ao luto. O objetivo parece ser situar o espectador dentro desse espaço mental em camadas. Uma das conexões mais interessantes que Gray traça é entre Nina Simone e Diamond Reynolds: a raiva de Simone em relação ao single de rock suave de Albert (“Eu não acredito nas condições que produziram uma situação que exigia uma música como este !” ela exclama para o público) e a dor momentânea de Reynolds após o assassinato de seu namorado são exemplos de sentimentos experimentados por meio de um intermediário. Eles têm que viver com as consequências das ações dos outros, embora em uma escala móvel de urgência. Ressalta a ideia de que a feminilidade negra não é um monólito que subsume a complexidade. Em vez disso, ele o exibe.

Estreia de Sky Hopinka “małni – em direção ao oceano, em direção à costa” também examina a identidade por meio de técnicas de cinema lento. Um perfil de duas pessoas Chinookan no noroeste do Pacífico enquanto contemplam seus relacionamentos com sua personalidade, o reino espiritual e a sociedade em geral, “małni – em direção ao oceano, em direção à costa” também nos situa na mentalidade nativa, como é tão enraizado na terra e no céu como no espaço entre eles. Observamos como os sujeitos, Sweetwater Sahme e Jordan Mercier, caminham pelo deserto e se movem por espaços familiares. Hopinka pinta um retrato de identidade através das palavras de seus sujeitos e como eles se envolvem com o ambiente. Ele observa a paisagem e capta a fala, mas a comunica de forma elíptica, capturando a poesia do movimento e da estase. Uma longa sequência apresentando uma dança indígena em um ginásio, com toda uma comunidade reunida em ritual, fala muito sobre a identidade étnica e como ela se manifesta nos espaços físicos. É uma corda para os outros e para a Terra sobre a qual está.

Embora Hopinka adote principalmente uma postura de observação, ele intervém visualmente esculpindo um espiritualismo suave através de sua fotografia impressionante do noroeste do Pacífico em toda a sua glória vibrante e resplandecente. Seu uso da cor em “małni – em direção ao oceano, em direção à costa” é nada menos que surpreendente: vermelho e verde quase explodem na tela, fascinando o olho enquanto a câmera de Hopinka o arrasta em um ritmo medido. O filme apresenta longas sequências de pessoas caminhando pelo deserto até clareiras próximas ou debaixo de cachoeiras. O documentário encerra com Mercier e um amigo caminhando para o oceano, e a maneira como Hopinka filma sua breve jornada se aproxima dos níveis de reverência à natureza de Terrence Malick. Em termos de puro espetáculo, “małni – em direção ao oceano, em direção à costa” foi um dos filmes mais inspiradores que vi no festival.